Max PINCKERS
Leeskamer
14.01 — 25.04.2027
Vernissage / Opening
14.01.2027
17:00
Dans la lignée des questionnements sur le médium photographique qui constituent le cœur de son travail depuis plusieurs années, Max Pinckers s’intéresse ici à la tension fondamentale entre deux dispositifs majeurs de présentation et de circulation des images : le livre et l’exposition.
En
In line with the inquiries into the photographic medium that have formed the core of his work for several years, Max Pinckers focuses here on the fundamental tension between two major devices for presenting and circulating images: the book and the exhibition.
Nl
In het verlengde van de bevragingen van het fotografische medium die al enkele jaren de kern van zijn werk vormen, richt Max Pinckers zich hier op de fundamentele spanning tussen twee belangrijke instrumenten voor het presenteren en verspreiden van beelden: het boek en de tentoonstelling.
Leeskamer
Textes
Dans la lignée des questionnements sur le médium photographique qui constituent le cœur de son travail depuis plusieurs années, Max Pinckers s’intéresse ici à la tension fondamentale entre deux dispositifs majeurs de présentation et de circulation des images : le livre et l’exposition. Là où le livre offre une expérience intime, caractérisée par une temporalité individuelle et un rapport tactile à l'image, l’exposition déploie les photographies dans une dimension tridimensionnelle, spatialise le récit et engage une réception collective. Le projet Leeskamer prend le livre comme point de départ pour explorer le passage du support imprimé vers l'espace et l’installation. Il interroge la spatialisation de trois séries photographiques qui, jusqu’à présent, n’avaient été diffusées que sous forme de publications : The Future Without You, State of Emergency et Colour Theory. En déplaçant les modalités traditionnelles de présentation de la photographie, Leeskamer invite les visiteurs à expérimenter de nouvelles formes de perception et à renouveler leur relation à l'image.
English
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In line with the questions surrounding the photographic medium that have been central to his work for several years, Max Pinckers explores the fundamental tension between two primary formats for presenting and sharing images: the book and the exhibition. Where the book offers an intimate experience defined by a personal temporal rhythm and a tactile connection to the image, the exhibition unfolds the photographs into a three-dimensional space, spatializing the narrative and fostering a collective experience. The Leeskamer project takes the book as a starting point to explore the transition from the printed page to the physical space and installation. It examines the spatial layout of three photographic series that, until now, had only been distributed as publications: The Future Without You, State of Emergency, and Colour Theory. By shifting traditional photographic display methods, Leeskamer invites visitors to experience new modes of perception and reimagine their relationship with the image.
Nederland
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In lijn met de vragen rond het fotografische medium die al enkele jaren centraal staan in zijn werk, onderzoekt Max Pinckers de fundamentele spanning tussen twee primaire vormen voor het presenteren en delen van beelden: het boek en de tentoonstelling. Waar het boek een intieme ervaring biedt die wordt bepaald door een persoonlijk tijdsritme en een tactiele band met het beeld, ontplooit de tentoonstelling de foto's in een driedimensionale ruimte, waarbij het verhaal ruimtelijk wordt gemaakt en een collectieve ervaring ontstaat. Het project Leeskamer neemt het boek als uitgangspunt om de overgang van de gedrukte pagina naar de fysieke ruimte en installatie te verkennen. Het onderzoekt de ruimtelijke opstelling van drie fotografische reeksen die tot nu toe enkel als publicatie waren verspreid: The Future Without You, State of Emergency en Colour Theory. Door traditionele presentatiemethoden van fotografie te kantelen, nodigt Leeskamer bezoekers uit om nieuwe perceptievormen te ervaren en hun relatie met het beeld heroverwegen.
Articles de presse
Biographie
Max Pinckers (né en 1988 à Bruxelles) est un photographe documentaire belge reconnu pour sa démarche conceptuelle et sa réflexion critique sur la frontière entre réalité, mise en scène et vérité photographique. Il remet en question l'objectivité du photojournalisme traditionnel : utilisant l’éclairage studio en extérieur, la mise en scène théâtrale et la collaboration avec ses sujets, il révèle les mécanismes de fabrication des images.
Diplômé de l'Académie royale des beaux-arts de Gand (KASK), il a remporté le Leica Oskar Barnack Award en 2018 et le Leica Hall of Fame Award pour son approche novatrice du documentaire. Il publie régulièrement ses travaux sous forme d'auto-éditions et enseigne la photographie artistique au KASK à Gand.
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Max Pinckers (born 1988 in Brussels) is a Belgian documentary photographer renowned for his conceptual approach and critical reflection on the line between reality, staging, and photographic truth. He challenges the objectivity of traditional photojournalism: by using studio lighting outdoors, theatrical staging, and collaborative processes with his subjects, he exposes how images are constructed. A graduate of the Royal Academy of Fine Arts (KASK) in Ghent, he won the Leica Oskar Barnack Award in 2018 and the Leica Hall of Fame Award for his innovative approach to documentary photography. He regularly self-publishes his work and teaches fine art photography at KASK in Ghent.
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Max Pinckers (geboren in 1988 in Brussel) is een Belgische documentairefotograaf die bekendstaat om zijn conceptuele aanpak en kritische reflectie op de grens tussen realiteit, enscenering en fotografische waarheid. Hij stelt de objectiviteit van de traditionele fotojournalistiek ter discussie: door gebruik te maken van studioverlichting op locatie, theatrale enscenering en samenwerking met zijn onderwerpen, legt hij de mechanismen achter de beeldvorming bloot. Hij afstudeerde aan de Koninklijke Academie voor Schone Kunsten (KASK) in Gent en won in 2018 de Leica Oskar Barnack Award evenals de Leica Hall of Fame Award voor zijn vernieuwende benadering van het documentaire genre. Hij publiceert zijn werk regelmatig in eigen beheer en doceert artistieke fotografie aan het KASK in Gent.
Livre / Book
Photographies | Foto's / Photographs
Émilia Stéfani-Law
Texte | Tekst | Text
Jean-Christophe Bailly
Auto-édition réalisée grâce au soutien de Contretype / Centre d'art pour l'image et la photographie contemporaine et de la galerie La Part du Feu.
200 exemplaires (fr-en-nl)
20€
Maquette / Lay-out
Lionel Maes, Émilia Stéfani-Law
Photogravure | Fotogravure
Atelier KZG
Traduction | Vertaling| Translation NI.
Piet Joostens
Traduction Vertaling Translation Eng.
Patrick Lennon
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À certains égards, on pourrait en effet parler d’une approche objective, d’un quasi diagnostic, où chaque cadrage se donne pour tâche de révéler ce qui est, ce qui est là, en le tenant à l’écart de tout aspect de pittoresque ou d’anecdote.
Cet aspect général, qui implique une certaine austérité, et qui fait de chaque image un relevé, agit, avec la répétition, comme une succession de stases documentaires que l’on se surprend à scruter.
Ce que l’on découvre, et qui donne au propos toute son épaisseur, c’est que nous sommes devant une échelle flottante, où les catégories du proche et du lointain, au lieu de se clarifier tranquillement comme devant un horizon qui les rendrait lisibles, superposent leurs effets : à quelle distance sommes-nous de ce monde qui tantôt fait quand même étendue, tantôt semble se recroqueviller dans sa pulsation la plus intime ?
Si sur certaines de ces images – celles où un peu de ciel a été laissé, celles, plutôt enherbées, où un effet de vallon se maintient –, la référence aux attendus du paysage reste effective, il en est d’autres, et ce sont les plus nombreuses, où la proximité est si grande que l’on a l’impression de passer en rase-mottes au-dessus de la peau de la Terre, jusqu’à en percevoir les moindres rides et les plus légers accidents.
Jean-Christophe Bailly
(Extrait) -
In certain respects, we could indeed speak of an objective approach, a quasi-diagnosis, in which each frame takes on the task of revealing what is, what is there, steering clear of the picturesque or anecdotal in any form.
This overall aspect, which implies a certain austerity and turns each image into a survey, acts, through repetition, like a succession of documentary stills that we find ourselves scrutinizing.
What we discover, and what lends the argument its depth, is that we are faced with a floating scale, where the categories of near and far, instead of being quietly clarified as if set against a horizon that would render them legible, superimpose their effects: how far are we from this world, a world that now expands and now seems to shrivel up in its most intimate impulse?
While, in some of these images – those with a little sky remaining, those marked with grass where a valley can be detected –, the reference to the expectations of the landscape remains effective, there are others, the majority, where we are so close that we have the impression of flying low over the skin of the Earth, to the point of perceiving its minutest wrinkles and slightest undulations.
Jean-Christophe Bailly
(2024 excerpt) Translation Patrick Lennon -
In zeker opzicht is er inderdaad sprake van een objectieve aanpak, een diagnostiek haast, waarbij elke kadrering wil laten zien wat aanwezig is en bestaat, ver van het pittoreske en het anekdotische.
Die algemene aanblik, die een zekere soberheid impliceert en elk beeld op een inventaris doet lijken, werkt, bij herhaling, als een opeenvolging van stilstaande documentaire fasen die we automatisch gaan bestuderen.
Wat we dan ontdekken, en wat het opzet zijn volle betekenis geeft, is dat we te maken hebben met een glijdende schaal waarin de categorieën van dichtbij en veraf, in plaats van geleidelijk aan duidelijker te worden, zoals wanneer je voor een horizon staat die ze leesbaar maakt, hier hun effecten samenvoegen: hoe ver staan we juist van deze wereld die nu eens zo uitgestrekt lijkt en zich dan weer tot haar intiemste polsslag lijkt te reduceren?
Op sommige beelden — die waar nog een beetje lucht te zien is, of waar we dankzij enige begroeiing nog de indruk van een vallei behouden — blijft de verwijzing naar het vertrouwde landschap overeind, maar er zijn er ook, en die zijn nog het talrijkst, waarop de nabijheid zo groot is dat je het gevoel hebt rakelings over de huid van de aarde te scheren, zo laag dat je er de kleinste rimpels en oneffenheden van kunt zien.
Jean-Christophe Bailly
(2024) Translation Piet Joostens
Événements durant l’expostion
Events during the exhibition
© Jérôme Panconi
Conférence 1.10 19h30
à BOZAR
Le Paysage ultrasensible avec Jean-Christophe Bailly en partenariat avec JAP / Jeunesse et Arts Plastiques
Jean-Christophe Bailly, poète, essayiste et philosophe, développe une œuvre où le paysage devient lieu de pensée et de mémoire. Fondateur de revues et actif au théâtre comme à l’enseignement, il relie littérature, art et philosophie dans une poétique ouverte du monde.
Conférence 16.10 18h30
à l’ARBA
Tout près, à la surface du monde.
Né en 1960 à Montréal, Alain Paiement a étudié les arts visuels à l’Université du Québec à Montréal, à l’ENSAV/La Cambre de Bruxelles et à l’Université de Paris. Entre 1989 et 2020, il a enseigné dans trois universités à Montréal ainsi qu’à l’Université d’Ottawa. À partir de 2005, en tant que professeur à l’UQAM, il a été responsable de la section photo et fut impliqué dans les cycles supérieurs. Ses œuvres ont été vues lors de nombreuses expositions nationales et internationales depuis les années 1980.
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Plus récemment, il a présenté l’exposition Cosmic Blues en 2023 à la galerie Hugues Charbonneau à Montréal. Il a fait partie des expositions Vues de l’intérieur au Musée des beaux-arts de Montréal (2022), Globalscape/Rethinking Collectivity dans le cadre de la triennale de Guangzhou (2021) et There All is Order and Beauty à Argos Centre for art and media (Bruxelles, 2019). Le Musée d’art contemporain de Montréal a présenté son projet Bleu de bleu à l’automne 2019.
Il a réalisé plusieurs œuvres intégrées dans des architectures publiques, dont Ondes croisées dans le pavillon des sciences de l’Université de Montréal (2020) et Modèles analogues dans le pavillon de Design de l’École de Technologie Supérieure de Montréal (2025).
Ses recherches s’intéressent aux relations entre des structures ordonnées et des phénomènes chaotiques, à diverses échelles, du micro au macro. Elles sont pluridisciplinaires, basées sur des méthodes influencées par les sciences géographiques. Les sujets qui intéressent l’artiste sont variés : géographie des flux et des territoires conquis sur la mer; architectures de connaissance, de commerce ou de pouvoir; tessellations inspirées de la génétique, ornementations provenant de multiples cultures; débordements innombrables d’objets, de foules et d’êtres vivants. Les configurations connues des sujets abordés sont repensées par des procédés de déconstruction-reconstruction qui produisent des vues improbables des réalités représentées. Ce processus a pour effet d’interroger la construction de notre relation au monde.
En somme, depuis 40 ans, le mapping a été un leitmotiv dans la démarche de l’artiste.
Actuellement en résidence à Contretype, Alain Paiement reconnecte avec la ville où il a vécu un peu plus de sept années, par intermittence, dans les années 80 et 90. Les enjeux écologiques, historiques, sociaux et politiques qui l’ont toujours passionné sont encore aujourd’hui au cœur de son approche. Maintenant à Bruxelles, dans la ville où s’est forgée son identité artistique, l’artiste embrasse la complexité multiculturelle de la ville dans un processus d’archéologie du présent. Cette démarche est en résonance avec une réflexion sur l’interculturalité vécue à Montréal, mais avec une perspective inédite dans le contexte bruxellois.
MUSEUM NIGHT FEVER 18.10 19h — 1h
Contretype vous présente la performance CREATURES en partenariat avec la Brussels Art Pole.
Contretype explore la photographie contemporaine et ses liens avec l’image en mouvement. Quatre danseur·euses investiront les espaces du musée pour la soirée en incarnant des “Créatures”. À travers la danse et la pole dance, leurs corps deviennent les témoins de leur langage et de leur sensibilité. Des performances immersives prendront vie, floutant les limites entre les murs, les corps et l’imaginaire.
Contretype focuses on contemporary photography and its dialogue with moving images. Four dancers will take over the museum spaces for the night as “Creatures”. Dance and pole dance become tools of communication where their bodies will blur the boundaries between landscapes, architecture, and imagination.
